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Ernst Ohlmer (1847-1927) worked in China for almost 46 years as a professional photographer at first, and then as a customs officer. This German photographer undertook one of the earliest visual documentation of the remains of the Summer Palace around 1872, thus around a decade after the initial destruction of the palace (in 1860, troops from Anglo-French expedition invaded and looted these imperial gardens).

Presented to the public for the first time in 2010 in Beijing’s China Millennium Monument, these photographs offer a unique opportunity to see some of the structures that today we can only imagine for the site has completely changed and altered over the years.

The multiplicity of meanings associated with this site and the profound scars it has left in Chinese collective memory make each visual testimony both important and complex. So the questions that immediately come to mind are how should we gaze at these photographs? What these images stand for? Are they a ‘perverse pleasure’ of admiring ruins as Woodward liked to say? A reminder of the viewer’s responsibility? An outcry of pitying art? Obviously, there is no such thing as a univocal answer.


Durant ses 46 années passées en Chine, Ernst Ohlmer (1847-1927) a tout d’abord exercé le métier de photographe professionnel puis celui de douanier. Ce photographe allemand réalisa vers 1872 l’un des recueils visuels les plus anciens du Palais d’été, donc une dizaine d’années après sa destruction (en 1860, les troupes alliées franco-britanniques mirent à sac ces jardins impériaux).

Exposées pour la première fois en 2010 au Beijing World Art Museum, ces photographies offrent l’opportunité unique de voir quelques structures devenues presque invisibles de nos jours en raison du passage du temps et autres altérations.

Les nombreuses interprétations associées à ce site et les profondes cicatrices qu’il a laissées dans la mémoire collective chinoise font de ces images un témoignage à la fois fondamental et complexe. Les questions restent maintenant de savoir quel regard adopter face à ces photos ? Que représentent-elles ? Avons-nous un « plaisir pervers » en admirant ces ruines comme le disait Woodward ? Sont-elles un rappel de la responsabilité du spectateur ? Un appel à un art de compassion ? Il n’existe bien évidemment aucune réponse univoque.


伊斯特·奥尔末 (Ernst Ohlmer ) (1847-1927) 在中国工作过46多年,首先当专业摄影师然后当海关官员。这位德国摄影师1876年创造了最早北京圆明园废墟的视觉记录之一,当时已经有十年多圆明园被寇掠(1860年,法国和英国盟军侵入和寇掠这个帝国花园)。

2010年奥尔末先生的圆明园摄影展览在北京中华世纪坛举办,当时是第一次展出这些摄影作品。因为目前圆明园这个地方没有遗迹了,所以这些摄影非常重要,它们是视觉的记忆。

圆明园这个地方的层次很多,而且这个地方的历史给凡是中国人留下了难以忘记的伤痕。怪不得这种视觉记录又重要又复杂。此外,奥尔末先生的摄影让我们想起我们怎么应该看这些摄影?它们有什么含义?我们看它们时,是不是用一种‘乖戾’的态度吗?它们使我们意识到圆明园的真正情况?它们把摄影艺术成为一种乞求怜悯的艺术吗?当然没有简单答案。


More information:
Beijing Memory
LIU. 2010. ‘Beijing Exhibits the Earliest Yuanmingyuan Photos’, CRIEnglish
Thomas H. Hahn Docu-Images




China





Throughout his career, the British photographer Michael Kenna (born in 1953 Lancashire), has travelled around the world looking for emblematic landscapes. These well-known spaces are a playing field for the photographer who experiments with the power of black and white, minimal compositions, and the enigmatic characteristic of long-term exposure times used at dawn or dusk.

In China, Michael Kenna created three main series entitled China (2006-2011), Huangshan (2008-2010), and Lijiang (2006). Whatever the landscape – either urban or natural – he pushes photography's limits giving it a pictorial aspect, where trees resemble paint strokes, the fog an ink wash, the building a mountain. In doing so, he manages to immerse the viewer into a sensual experience exposing the universe of shanshui photography (a Chinese term referring to traditional landscape paintings) where water, mountain, sky and earth unite, collide, reveal. Preferring the power of suggestion to that of description, the artist brilliantly provides multiple reading levels to his minimalist representations.


Durant toute sa carrière, le photographe anglais Michael Kenna (né en 1953 à Lancashire) a parcouru le monde à la recherche de paysages emblématiques. Ces endroits connus de tous deviennent les terrains de jeu du photographe, expérimentant alors toute la puissance des noirs et blancs, les compositions minimales, et le caractère énigmatique qu’engendre de longs temps d’exposition souvent pris durant l’aube ou le crépuscule.

En Chine, Michael Kenna a créé trois séries : China (2006-2011), Huangshan (2008-2010), et Lijiang (2006). Qu’il représente des paysages naturels ou urbains, Michael Kenna pousse les capacités du médium photographique jusqu’à lui conférer un aspect pictural, les arbres deviennent autant de trait de pinceaux, la brume des lavis d'encre, que les buildings des montagnes. Il invite le spectateur à une expérience sensorielle à travers laquelle on se plonge dans l’univers de la photographie shanshui (terme chinois désignant la peinture traditionnelle de paysage) où eau, montagne, ciel et terre s’unissent, s’affrontent, se dévoilent. Préférant le pouvoir de la suggestion à celui de la description, l’artiste octroie avec brio de multiples niveaux de lecture à des représentations minimalistes.


迈克尔•肯纳(Michael Kenna)(1953年出生于兰开夏奶酪, 英国)风光摄影师,世界各地的景观都被他收入到镜头视野里。这些地方大家都知道,不过肯纳先生把它们转变起来,探索黑白的力量,经常用最少的景象元素,长时间曝光等等。

在中国,肯纳先生创造了三个摄影系列叫《中国》(2006-2011), 《黄山》(2008-2010), 《丽江》(2006)。无论是自然风光或者城市风光,肯纳先生能够把摄影作品成为图画,似乎树木成为书法笔画,雾气成为稀释墨水画, 大楼成为山脉。他拍中国山水拍出了传统山水画的意境,让大家吃了一惊。肯纳先生更欣赏用最少的景象元素,这样他的作品构图又简单又现代,但是实际上他的作品层次很多。


More information:
Michael Kenna
BnF Paris. 2010. Michael Kenna exhibition
CABOS, M. 2012. ‘Shanghai: Michael Kenna, Landscapes’, La Lettre de la Photographie.com
• VIDEO: ‘Michael Kenna’, Youtube




The Poverty Line


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Accomplished adventurer and photographer, Stefen Chow (born in 1980 in Kuala Lumpur, Malaysia) started his interest in photography when he was a climbing member of a team scaling Mount Everest in 2005. At first trained in Mechanical Engineering and then in Photography, this young emerging photographer - based between Beijing and Singapore - has already been awarded several prizes and collaborated with international companies.

Among several series, one is particularly worth paying attention: The Poverty Line (started in November 2010). This is a visual project – in collaboration with the economist Lin Hui-yi - that contextualizes poverty across five continents. This series shows strong conceptual and aesthetic qualities while asking a very simple question: 'what does it mean to be poor?'.

Between data visualization and photography, Stefen Chow’s artworks portray food items that poor people can afford per day. The above photographs represent China’s poverty line, which was 3.28 CNY in 2010 and rise to 6.30 CNY (around one dollar) today.


Aventurier et photographe accompli, Stefen Chow (né en 1980 à Kuala Lumpur, Malaisie) se passionna pour la photographie alors qu’il gravissait le mont Everest avec une équipe d’alpinistes en 2005. Formé tout d’abord en mécanique puis en photographie, ce jeune photographe talentueux (basé entre Pékin et Singapour) a déjà reçu plusieurs prix et travaillé avec des compagnies internationales.

Parmi toutes les séries qu’il a créé, une mérite une attention particulière : The Poverty Line (débuté en novembre 2010). Ce projet visuel est une collaboration avec l’économiste Lin Hui-yi, et tente de contextualiser la pauvreté à travers cinq continents. Cette série de grande qualité tant conceptuelle qu’esthétique, pose une question toute simple « qu’est-ce qu’être pauvre ? ».

Entre la data visualization et la photographie, les œuvres de Stefen Chow dressent le portrait du type de nourriture, posée délicatement sur des journaux locaux, qu’une personne pauvre peut s’offrir par jour. Les photo ci-dessus représente la ligne de pauvreté en Chine, calculée à 3.28 RMB en 2010 et 6.30 RMB en 2012, soit moins d’un euro.


赵峰(1980年生于吉隆坡,马来西亚)这位冒险家与摄影家,2005年在登攀山埃佛勒斯峰(喜马拉雅山主峰之一)跟几个登山运动员期间开始对摄影感兴趣。他首先学习了机械工程然后学习了摄影艺术。现在这位年轻摄影家住在北京和新加坡,已经获得了不少奖品,跟不少国际公司合作过。

他所创造的摄影系列之中,《贫困线》(2010年10月开始创造) 摄影系列的部分作品值得大家的注意。它的发起人是赵峰和林惠义(经济学家),旨在通过摄影作品来表现世界各地对贫困线的不同定义。这个系列拥有重要的概念,而且指审美品质。同时它问了一个简单的问题:目前当贫困是什么意思?

这些作品在数据可视觉化和摄影之间,赵峰视觉描绘在贫困线上的人能购买的日常生活食品。上面的图片表示中国的情况, 在中国贫困线2010年等于3.28元,2012年等于6.30元。


More information:
• Stefen Chow
• The Poverty Line Project
CHOW. S. 2011.‘Photo Essay: Nature does not cater to man: Chomolungma’, The Invisible Ph t grapher Asia
• OSBA. K. 2011. ’10 minutes with Stefen Chow’, This is That Magazine
• VIDEO: 2011, ‘Invisible Interview: Stefen Chow’, The Invisible Ph t grapher Asia
• VIDEO: 2011, ‘Video: Stefen Chow 2011 Reel – Documentary Photography’, The Invisible Ph t grapher Asia





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Weng Naiqiang (born in 1936 in Jakarta, Indonesia) arrived in China at the age of 15 and started his career as a photojournalist in the 60s. Although he continues nowadays his photographic activity, the series presented here belong to the period of great agitation that is the Cultural Revolution (launched in 1966 by Chairman Mao, aimed to drastically enforce socialism by removing capitalism, traditions and culture from Chinese society).

Armed with his Rolleiflex, Weng portrayed the Cultural Revolution and its associated redness. Being a big fan of Mao and being accredited official photographer of such historical event obviously made him very excited. Such dedication to the movement is particularly noticeable in his vivid, dynamic and colourful photographs.

It should be remembered that over the Mao period the channels enabling Western photography schools to have an influence on China were almost completely blocked. In that sense, the point of showing these images is not to praise propaganda photography but to understand the state of domestic photographic works at that time even in a moment of greatest extremism.

In truth, Weng offers a unique tone of representing a period that brings to mind more black and white rather than vibrant colour. Despite its clear ideological orientation, this imagery remains an important key to decipher contemporary practices, notably the reinterpretation of the red colour.


Weng Naiqiang (né en 1936 à Jakarta, Indonésie) arriva en Chine à l’âge de 15 ans et débuta sa carrière de photojournaliste dans les années 60. Bien que toujours en activité aujourd’hui, la série présentée ici traite de la Révolution Culturelle (mouvement lancé en 1966 et dont le but était d’éradiquer toute trace de capitalisme, de tradition, et de culture existant en Chine).

Armé de son Rolleiflex, Weng représente la Révolution Culturelle et le rouge qui lui est associé. Le fait d’être un grand fan de Mao, et d’être nommé photographe officiel d’un tel événement historique ne pouvait laisser de marbre le photographe. Il n’est donc pas étonnant que son engouement se traduise dans ses photographies aux multiples couleurs vibrantes et dynamiques.

Il ne faut pas oublier que sous Mao, les frontières chinoises avaient fermé leurs portes à toute influence provenant des canons occidentaux de la photographie. Aussi, le but de montrer ce genre d'images n’est certainement pas d’encenser la photographie de propagande mais de comprendre ce qu’était la photographie locale même pendant une période de grand extrémisme.

Indéniablement, Weng a représenté une période noire sous un nouveau jour tout en couleur. Cette imagerie à l’orientation clairement idéologique demeure une clé importante pour saisir les pratiques contemporaines, notamment la réappropriation de la symbolique du rouge.


翁乃强(1936年生于印度尼西亚雅加达)15岁回国,然后1960年左右开始从事美术摄影工作,当摄影记者。虽然他目前继续拍摄,上面的系列是在60年代文革期间拍摄的。

用他的Rolleiflex照相机,翁老师表示他自己对文革和对红色的浓厚兴趣。从小很喜欢毛泽东,所以他担任政府正摄影师的时候当然使他非常兴奋。怪不得他所拍出来的相片又五颜六色的又轰轰烈烈的。

接下来我们不要忘记当时中国国境关没有现在那么开放,西方摄影艺术没有任何影响。今天介绍这种摄影系列的原因不是崇拜宣传摄影而是让大家更多理解当时摄影是什么样的,无论这个年代是否严格。

翁老师确实把这个“黑色”时代变成一种新的时代,一种五颜六色的时代。虽然他的观点源自共产主义思想,翁老师的摄影让我们意识到当代艺术常常出现的主题跟文革有关,特别是红色的象征意义。


More information:
798 Photo Gallery
Artron
Chinese Photographer 中国摄影师
Gallery of China Top Photographer
SUN, P. 2009. ‘A History seller: Weng Nai Qiang’s images of 1960’s China’, Issuu.com




Hubei


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François Trézin (born in 1982 in Valréas, France) is a young French photographer based in Shanghai since 2007. He has first studied Graphic Design and Fine Arts before becoming the assistant of several photographers in Paris, Sapporo and Shanghai. This period was a watershed in his approach to the medium. Henceforth his artworks – between photography and installation – has been focusing on the object as the main subject matter so that to question its function and its aesthetic.

Throughout his series series Shanghai Parks (2008), A sculpture a day keep doctor away (2009 onwards), Moins que l’infini (2010), Hubei (2010), Villa Pan (2010), Rock Speaker (2011), Frfr Bazaar (2011), François explores the peculiar relationships between the object and its surrounding, the object and the photographer. These places often embedded with historical meanings allow him to re-interpret his environment and to recreate his own universe by appropriating materials found within the place or by building his ephemeral and fragile installations.


François Trézin (né en 1982 à Valréas) est un jeune photographe français installé à Shanghai depuis 2007. Après avoir étudié le graphisme et être allé aux Beaux-Arts, François se forme auprès de photographes entre Paris, Sapporo et Shanghai, période qui déterminera son approche du médium. Depuis lors ses travaux, à la frontière entre l'installation et la photographie, prennent l'objet comme sujet principal afin d’en questionner sa fonction et son esthétique.

À travers ses séries Shanghai Parks (2008), A sculpture a day keep doctor away (depuis 2009), Moins que l’infini (2010), Hubei (2010), Villa Pan (2010), Rock Speaker (2011), Frfr Bazaar (2011), François explore les relations particulières qu’entretiennent l’objet et le lieu, l’objet et le photographe. Ces endroits souvent chargés d’histoire lui permettent de réinterpréter son environnement et de projeter son propre univers en s’appropriant les matériaux trouvés sur place, ou en construisant ses propres installations fragiles et éphémères.


2007年,年轻法国摄影家 François Trézin (1982年生于Valréas, 法国) 决定在上海定居。他以前学习过平面设计和美术,然后成为巴黎、札幌、上海摄影师的助理。他当助理期间,开始对摄影这个艺术有独特的兴趣。从此,他摄影与装置中间的作品用一般的东西来讲这些东西有什么作用,有什么美学。

通过他所创造的作品系列,例如《上海公园》(2008)、《一天一个装置,医生远离我》(从2009年到现在) 、《止于无》(2010)、《湖北》(2010)、 《潘宅苏州》(2010)、《石头喇叭 》(2011), 《富富市场》(2011) 等等, François 不仅探索一般东西于它们的环境的互相关系,而且探索摄影家与一般东西的互相关系。他拍摄那些具有历史意义的地方使他能够解释与重新创造他自己的世界,他用在地方所找到的东西来制作易碎与危若朝露的装置。


More information:
frfrfrfr
M, DELAISSE. 2009. ‘PORTRAIT François Trézin – l’amour de l’Orient à l’extrême’ , Lepetitjournal.com





 
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